VANGUARDISTAS
El vanguardismo es un conjunto de movimientos y corrientes
artísticas que se dieron a finales del S. XIX y principios del S. XX.
Las vanguardias artísticas que
aparecieron es ésta época fueron inicio de una evolución del pensamiento, donde
se crea una nueva visión del ser humano y su realidad; dando fin a la idea de
representar la realidad fielmente, rompen con la estética de la tradición del
pasado; es decir, con la proporción y la composición.
El arte buscaba una nueva
identidad, adoptando formas abstractas y dando un uso psicológico al color; así
como la búsqueda de lo nuevo a través de la experimentación y el rechazo del
pasado.
En la pintura se
hace uso de colores vibrantes con el objetivo de provocar un impacto en el
observador a través de diferentes objetos y formas nuevas.
EXPRESIONISMO
Este movimiento se caracterizó por tener el objetivo de
plasmar claramente los sentimientos y emociones del autor, donde puede revelar
el lado pesimista de la vida, generado por circunstancias históricas del
momento. Se creía que se debía captar los sentimientos más íntimos del ser
humano; la angustia existencial es el principal motor de su estética.
Representan las emociones --sin preocuparse de la realidad
externa—a través de colores fuertes y puros, formas retorcidas y composiciones
agresivas. El expresionismo es representado por Ensor y Munch.
JAMES ENSOR
James Ensor (Ostende, 13 de abril de 1860 - 19 de noviembre
de 1949) fue un pintor belga que influyó en el expresionismo y en el
surrealismo, destacó por la originalidad de sus obras.
Ensor pinta en su mayoría temas de carnavales de personajes
enmascarados, marionetas y esqueletos; así como alegorías fantásticas, donde la
máscara se emplea como algo amenazador y desconocido que refleja la ironía
sobre la condición humana.
Esqueletos peleándose
por un hombre ahorcado (1891), Ensor se identificaba como un pescado el
cual aparecerá en sus cuadros y en este caso donde dos esqueletos se pelean por
él. El cuadro representa una patética lucha entre dos esqueletos por ese
pescado (arenque) donde los historiadores quisieron ver la representación de
dos críticos despedazando la obra de Ensor con violencia.
The dangerous cooks (1896) en este cuadro, Ensor hace una
critica muy cruda de la realidad social donde los cocineros son dueños de una
revista de arte de Bruselas y las cabezas son las de Ensoy un amigo; las
personas que esperan para devorarlas son los críticos de arte de su momento.
Skeletons warming
Themselves (1889) en esta pintura se observa a un grupo de esqueletos
vestidos que se reúnen alrededor de una estufa donde transmite un mensaje
relacionado a la brevedad de la vida. El mensaje simplificado de la obra más
concreto sería tratas de refugiarte de tu
miseria de todas las formas posibles, pero ningún fuego será capaz de ahuyentar
el frío mortal que llevas dentro.
Máscaras contemplando
una Tortuga (1894) en esta pintura se observan a varias personas portando máscaras
que se encuentran frente a una tortuga, donde quizá el autor quiso dar a
entender sobre las diferentes reacciones que produce una persona en otras
–punto de vista personal—.
EDVARD MUNCH
Edvard Munch (Løten, 12 de diciembre de 1863-Skøyen, 23 de
enero de 1944) fue un pintor y grabador noruego. El mismo pintor decía que
intentaba diseccionar almas, es por ello que sus temas frecuentes fueron los
relacionados con los sentimientos y tragedias humanas como la soledad,
angustia, muerte y erotismo.
El grito (1893) en
esta obra el autor plasma el sentimiento de tristeza del cielo rojizo así como
el miedo que el sentía en ese instante. En la pintura que utiliza se producen
sonidos propios percibidos por el autor.
Amor y dolor, El
vampiro (1895) son dos títulos para una misma obra donde el primero fue
colocado por el autor y el segundo por la gente. Algunos críticos han querido
ver en la obra una alusión u homenaje a las prostitutas que formaban parte de
la vida cotidiana del autor; otros ven una especie de metáfora sobre la
temprana muerte de su hermana.
Melancolía (1891) en
la pintura se observa una pareja a lo lejos que están a punto de embarcarse con
destino a una isla donde habrá amor. Se puede apreciar a un individuo
pensativo-melancólico, ausente de todo lo que le rodea y reflexionando
posiblemente sobre sí mismo y su mundo.
CUBISMO
Es una reflexión intelectual y visual de la forma donde los
principales temas son retratos y naturalezas muertas. Se aleja de la
representación literal de la realidad, donde presenta múltiples puntos de vista
de un mismo tiempo a través de figuras geométricas. Intentaban imitar lo que
hacía una cámara fotográfica, dándole tres o más dimensiones.
Surge el collage,
el cual es recortar planos de diversos materiales sobre una misma superficie. El comienzo de la primera guerra mundial fracciona el
cubismo, que seguirá subsistiendo como el purismo o constructivismo ruso. Sus principales exponentes fueron Pablo Picasso y Georges
Braque.
PABLO PICASSO
Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins,
8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español. Junto a Braque desarrollo
la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico; donde los temas
preferidos por Picasso fueron instrumentos musicales y naturalezas muertas.
En 1912 realiza su primer collage, técnica que señala la
transición al cubismo sintético.
Las señoritas de
Avignon (1907) se muestra en esta obra a cinco prostitutas barcelonesas de
una calle de Barcelona en donde habitaban los burdeles. El cuerpo de la mujer
desnuda se convierte ahora en un conjunto de planos angulares
Los tres músicos (1921)
En las danzas de los bailes rusos estudia el movimiento, lo que le inspira
pinturas de ritmos agitados.
El Guernica (1937)
es una obra en la cual representa drama y el sufrimiento de un pueblo que
existió en la guerra civil española, haciendo hincapié en el horror y el dolor
que existió en ese tiempo. Se encuentra una madre con un niño muerte donde se
ve el dolor maternal –y el cual se repite en otras de sus obras—también hay un
pollo que representa el sufrimiento de los animales; así como un caballo y un toro
que puede hacer referencia al pueblo español o al fascismo.
Muchos de sus trabajos se inspiran en grandes del pasado
tales como la interpretación del cuadro de las Meninas de Velázquez.
También realiza esculturas como la Cabeza de Fernande (1909), que es
un retrato escultórico de su primera compañera Fernande Olivier.
GEORGES BRAQUE
Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 13 de mayo de 1882 -
París, 31 de agosto de 1963) fue un pintor y escultor francés quien descubrió
que las formas se pueden simplificar reduciéndolas a prismas y cilindros. De
sus obras destaca naturaleza muerta a través de instrumentos musicales como
guitarra, violin y/o mandolina. Sus obras más conocidas son:
Botella y peces
(1912), podemos observar en la obra que Braque hace uso de un color muy
llamativo que pareciera ser pintado sobre plata; además se puede ver un montón
de peces sobre la mesa.
Violín y paleta (1909),
en esta obra se puede apreciar un violín que está en reposo sobre una pared.
Hombre con guitarra
(1911) se aprecia una representación de un hombre tocando una guitarra.
Violin and Pipe, “Le
Quotidien” (1913), el artista representa una composición donde se encuentra
un violín y una pipa.
DADAÍSMO
El dadaísmo surgió en Europa (Suiza) y en Norteamerica
durante la primera Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones
estéticos dominantes, se caracterizó por destruir todos los códigos y sistemas
establecidos en el mundo del arte, es un movimiento que cuestiona la existencia
del arte, literatura y poesía. Utilizaban todo al azar y tenían una inclinación
a lo dudoso; tuvieron una oposición a la razón.
Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de
los principios y las leyes de la lógica, así como a la inmovilidad del
pensamiento y lo universal. Sin embargo, promueven la libertad del individuo,
la espontaneidad, lo inmediato, aleatorio, la contradicción; defienden el caos
frente al orden y la imperfección ante la perfección.
La difusión del dadaísmo se debio a la publicación de la revista
Dada, y así se extendieron sus ideas por Belín, Colonia, París y Nueva York. El
origen de la palabra Dada fue muy
confuso, sin embargo; la versión más aceptada dice que al abrir un diccionario
al azar se encontró esta misma y significa caballito
de juguete, así pues, fue adoptada por el grupo.
MARCEL DUCHAMP
Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de
1968) fue un artista y ajedrecista francés, su principal aportación es el Ready-Made
que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo
artístico; sólo con firmarlos y otorgándoles un título les colocaba a los
objetos una categoría de arte. Hace un arte colaborativo con uso del cadáver
exquisito (donde todos hacen una sola pieza). Entre sus obras conocidas, están:
Disk Bearing Spirals
(1923) en esta obra plasma un experimento óptico con ayuda de Man Ray, más
tarde él mismo experimento con discos superpuestos, aquí producía el efecto
óptico. Luego, este arte se conoció como Op Art.
Desnudo bajando una
escalera n°2 (1912) en esta pintura Duchamp emplea una forma de
representación cubista y a su vez, da una sensación de movimiento a través de
la secuencia empleada; lo que más tarde se convertiría en futurismo.
El gran vidrio (1923)
esta obra está constituida por dos paneles de vidrio, lámina de plomo, aceite,
barniz, cable, etc. En la parte de arriba se encuentra la novia desnuda y abajo
sus solteros unidos a ella través de cables, siendo prácticamente marionetas.
También hay unas tijeras y una rueda de molino que significan que a pesar de la
excitación que sienten los solteros por ver a la novia, nunca podrán concretar
su pasión, recalcando así su estado de soledad y frustración sexual.
FRANCIS PICABIA
Francis-Marie Martínez Picabia (París, 22 de enero, 1879 -
30 de noviembre, 1953) fue un pintor francés que logro incorporarse a las
diferentes corrientes del arte de su tiempo. En Barcelona publicó el primer
número de su revista dadaísta, “291”; en esa misma ciudad, acompañado de André
Breton crearon la revista “391”. Entre sus obras más reconocidas están:
Love Parade (1917), en esta obra Picabia representa máquinas
que le servían como equivalente de personas o situaciones y establecían un
juego entre la imagen y el título y el texto. Entre los cables se puede ver una
especie de corazón no terminado que puede referir al título.
Spanish Night (1922), en esta obra se puede observar el alto
contraste que maneja Picabia, y a una pareja bailando flamenco. Destaca las
diferentes capas de pintura gruesa así como las diferentes direcciones de las
pinceladas; lo que demuestra que Picabia trabajaba con agilidad.
SURREALISMO
(1924
– 1940)
El surrealismo fue un movimiento artístico
y literario que exploro el mundo del subconsciente, a través del arte visual,
la poesía y películas. El fundador del movimiento fue André Breton en París,
Francia 1924. Los artistas surrealistas usaron los sueños en su arte. Muchas
veces el surrealismo no es ni real ni natural, las imágenes suelen ser
distorsionadas, extraños e irracionales.
El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de
inspiración; surge un interés por el arte de pueblos primitivos, de los niños y
de los dementes. Inclinación a títulos largos, misteriosos; donde importaba más
el asunto que la propia realización. De tal manera que se mezcla el sueño, la
realidad y el arte.
JOAN MIRO
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20
de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor,
escultor, grabador y ceramista español. Sus cuadros están llenos de poesía,
pinta con colores puros y tintas planas. Sus imágenes son simples, con pocos
trazos. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado
minucioso.
El carnaval del
arlequín (1924-1925) es su obra clave en su evolución y en donde se mezcla
el sueño, el delirio y los recuerdos de la infancia. Hay juguetes que parecen
moverse por todo el cuadro y le dan un ritmo marcado con formas y colores.
“Intenté plasmar las
alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que
veía en sueños, como decían entonces Breton y los suyos, sinó que el hambre me
producía una especie de tránsito parecido al que experimentaban los orientales.”
Joan Miró, Je rêve
d’un gran atelier, XXéme siècle, I nº 2. Paris, 1938
Bodegón del zapato
viejo (1937) en este cuadro predomina una sensación de angustia, se
encuentra un zapato viejo, un pedazo de pan, un tenedor desproporcionado; para
entender la angustia se debe saber que el contexto que rodea este cuadro es la
tragedia de España; es la Guernica de
Miro.
Horse, pipe and Red
Flower (1920) fue pintado por el artista después de su primera visita a
París, las formas se adaptan fácilmente a un collage cubista inspirado en
Picasso –a quien conoció en su viaje—.
MAX ERNST
Max Ernst (Brühl, Alemania, el 2
de abril de 1891 - París, Francia, el 1 de abril de 1976) fue un artista alemán
nacionalizado francés considerado figura fundamental tanto en el movimiento
dadá como en el surrealismo. Llego a ser uno de los principales exponentes del
surrealismo utilizando la técnica del frotagge; la cual consiste en frotar una
mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja la
huella de este en el papel; con todas las irregularidades que posee.
Celebes (1921) es de las obras más conocidas de Ernst, donde
se aprecia un elefante en donde no existe tal cosa; nos hace ver el mundo de
otra manera, haciendo que nuestra mente genere nuevas ideas; es surrealismo
gráfico.
Europe after the Rain (1941) es un cuadro abstracto donde
Ernst plasma un futuro paisaje después de la guerra mundial, haciendo uso del
collage y de una técnica llamada decalcomanía donde presionaba contra el lienzo
creando un efecto extraño y favorecedor a su obra.
The Garden of France (1962) plasma un jardín como una mujer
bella y desnuda; hacienda una metafora de Francia, donde se aprecia una versión
muy poética de la geografía Francesa; una visión desde la estética surrealista.
SALVADOR DALÍ
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí de
Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), fue un
pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Los
primeros surrealistas de Dalí se pintan en Cataluña. En sus pinturas,
exterioriza las obsesiones ocasionadas por los traumas de su infancia; de
manera que se entienden como una auto confesión.
El espectro del
sex-appeal (1934) muestra sus fobias a la sexualidad, donde muestra al sexo
femenino en un paisaje terrible; el cuerpo está sin cabeza, sin manos ni pies y
lo contempla un niño que es el artista donde le parece algo misterioso y
repugnante.
La persistencia de la
memoria (1931), plasma su miedo al paso del tiempo, donde aparece su
retrato rodeado de relojes doblados y derretidos que transmiten la irrelevancia
del paso del tiempo. El único reloj que no está deformado, está lleno de
hormigas que representan la muerte.
Retrato de Mae West
(1934-1935), Mae West es elegida junto a Dalí como famosos del año 1934,
ella tras una larga carrera teatral, ella convenció a Dalí para hacerle algunas
obras; el físico de la chica era considerado por los surrealistas como un
maniquí. Convierte pues, el espacio teatral en un espacio donde vivir, en una
habitación surrealista.
El caracol y el angel
(1977-1984) es una escultura que está conectada con el encuentro de Dalí
con Sigmund Freud, a quien Dalí llego a considerar como su padre espiritual. En
la obra el caracol –símbolo universal del paso ocioso del tiempo—ha sido dotado
de alas y cabalga olas que se mueven fluidamente. Es un mensajero alado de los
dioses, que es capaz de alcanzar una velocidad sin límite, otorga al caracol el
don del movimiento tocándolo sobre el caparazón en un instante.
Teléfono langosta
(1936), en esta obra plasma una analogía que veía el artista; donde decía
que los humanos transmiten sonidos suaves a través de maquinarias rígidas y
duras como los teléfonos. El hecho de que la langosta posea sus órganos
sexuales en el auricular es una connotación erótica a la escultura.
Galatea de las esferas
(1952) se inspiró en el mundo de la física, concretamente en Werner
Heisenberg –uno de los mayores especialistas del mundo en física nuclear—hace
uso de esferas como símbolo de un átomo donde recompone-destruye la imagen.
ABSTRACCIONISMO
El abstraccionismo se apoya en los colores y formar,
llevando más allá el espíritu sintético de los movimientos previos y
minimizando la importancia del tema. Se reformula el arte como libre y como un
fin en sí mismo; al artista como portador de una verdad esencial. A través de
su expresividad y colores, se revela el estado emocional del pintor,
trasladándolo al espectador. La obra de arte no es reflejar un objeto, sino ser
un objeto bello. Recurre a la imaginación como fuerza creadora.
WASSILY KANDINSKY
Vasili Vasílievich Kandinski (Moscú, 4 de diciembrejul./ 16
de diciembre de 1866greg.-Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un
pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura, y teórico del arte. La
representación del objeto en sus pinturas era algo secundario, la verdadera
belleza de sus obras radica en la riqueza cromática y en su simplificación.
Punto y línea en el plano (1925) este cuadro surgio de sus
experiencias como profesor en el taller de pintura decorativa en la escuela de
Bauhaus donde fue invitado por Walter Gropius.
Movement I (1935) está compuesta por muchas capas que lo
hacen ver vibrante, llamativo, interesante. La manera en que están colocados
los elementos genera una sensación de movimiento y energía.
Circles in a circle (1923) es una composición donde aparecen
círculos de diferentes colores y tamaños que están disueltos dentro de otro
circulo de mayor tamaño. En el fondo se aprecian los líneas que se cruzan así
como en el interior del otro círculo.
PIET MONDRIAN
Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 -
Nueva York, 1 de febrero de 1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor
vanguardista neerlandés. Él aspiraba a una pintura independiente de cualquier
carga histórica, cultural o geográfica; consigue hacerlo a través de la línea
recta y el ángulo recto, así como de los colores primarios –rojo, amarillo,
azul—junto con el blanco, gris y negro; a este nuevo lenguaje artístico le
llamo Neoplasticismo. La mayoría de sus obras siguen el concepto de Armonía e
igualdad, un nuevo estilo que pretendía ir a lo social.
Composition II in red,
blue, yellow (1930) En París descubre la belleza de la linea recta y de los
colores primaries, y eso es precisamente lo que es toda la obra. Está
organizado para intentar representar las ideas sobre la teosofía y el orden
armónico del universo.
Naturaleza muerta con
tarro de gengibre (1912) en esta obra el tema sigue siendo el bodegón, pero
mucho más abstracto de lo que podría hacer un cubista. Existen líneas que al
cruzarse forma cuadrados y rectángulos, en su interior colorea con la paleta de
color.
Composition X in Black
and White, Muelle y Océano (1915) es una interpretación personal del lenguaje que
suprime toda alusión a modelos de la realidad, enfatizando la estructura
vertical y horizontal; que se convierten en las protagonistas de la obra.
SUPREMATISMO
El suprematismo fue un movimiento
artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (particularmente el
cuadrado y el círculo). Derivado del cubismo y relacionado con el
neoplasticismo, así como algunos principios de Kandinsky. Caracterizado por
fondos neutros, figuras geométricas y abstracción total del mundo sin objetos,
por encima de todo un fin materialista o social.
Características principales:
- Superioridad de la sensibilidad plástica por encima de todo fin materialista, social o ilusionistico.
- Abstracción total de las formas.
- Armonías sencillas
- Gama reducida de colores, en ocasiones carente de color. Uso de colores primarios y contrastantes.
- Predominan fondos neutros.
- El punto de fuga se ubica en el infinito
- Estructuraciones complejas ordenadas en relación a diagonales.
MALEVICH
Kazimir Severínovich Malévich (11 de febrero de 1878, Kiev -
15 de mayo de 1935, Leningrado) fue un pintor ruso, creo un estilo de formas
básicas y de colores puros llamado suprematismo. Practicaba un uso restrictivo
del color, hasta llegar al uso exclusivo del blanco y negro.
La primera manifestación de esta tendencia en Cuadro negro
sobre fondo blanco, Black Square (1913) Malevich pretendía liberar al arte del
lastre del mundo de las cosas; en este caso hace una monocromía que hace alto
contraste con el fondo blanco.
Su obra más radical es cuadro Blanco sobre Blanco (1918), en esta pintura reduce todo a un único
elemento geométrico: el cuadrado, es la forma más elemental y al suprimirle
color, elimina cualquier resto simbolismo cromático.
Black Cross on a Red Oval (1927) Este lienzo repite el
destino de la construcción suprematista, reducir todo a simples formas y pocos
colores.
.jpg/597px-Mystic_Suprematism_(black_cross_on_red_oval).jpg)
Four Squares (1915) es una obra muy reconocida que es muy
rica en alto contraste mediante dos colores: blanco y negro.
LISSITZKY
El Lisitski, pseudónimo de Lázar Márkovich Lisitski (23 de
noviembre de 1890 - 30 de diciembre de 1941), fue un artista ruso, diseñador,
fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Fue una pieza clave en las
vanguardias europeas. Se intereso por medios impresos y diseñó libros y
periódicos, introduciendo así innovaciones radicales en tipografía y fotomontaje;
veía sus diseños como objetos poderosos que podían cambiar el designio de la
historia. Gracias a él existe el diseño moderno, la tipografía y las
exposiciones de arte.
Vencer a los blancos con la cuña roja (1920), es una
propaganda que posee formas geométricas, planos superpuestos y la clásica
paleta suprematista (negro, blanco, rojo). Está divida por la mitad en diagonal
el lado derecho un triángulo rojo que invade el círculo blanco, salen volando
varias más.
Son de él los <proun> según sus palabras es
un estado
intermedio entre la pintura y arquitectura, compuestos por elementos
geométricos bidimensionales y tridimensionales; representados de forma
axonométrica mediante proyecciones obtenidas a través de varios ejes,
desafiando relaciones espaciales y la gravedad; de los cuales tenemos:
Proun 1 C (1919)
Proun 19D (1922) Esta es la obra más representativa de los
prouns; pues sugiera explorar la bidimension de la pintura en relación a la
tridimensión de la arquitectura, donde los diferentes volúmenes de las figuras
parecen superponerse y flotar en el aire.
Proun 4 B (1920)
Entre sus trabajos de Diseño Gráfico, se encuentran las
portadas que realizo para algunas revistas; tales como:
Cover of Broom (1923) En sus composiciones tipograficas tendía
a dar predominancia a la letra inicial, utilizando fuentes fácilmente
disponibles; así como tipos móviles.
Cover of
“Teyashim” Four Billy goats (1922)
Bibliografía:
Imágenes obtenidas de internet, 2017.
Comentarios
Publicar un comentario